Foto: Atas izin Museum Naturhistorisches

Patung kecil dalam sejarah seni Anda, patung kecil berukuran tinggi lebih dari empat inci ini ditemukan di Austria pada tahun 1908. Tidak ada yang tahu apa fungsinya, tetapi dugaannya berkisar dari dewi kesuburan hingga alat bantu masturbasi. Beberapa pakar berpendapat bahwa itu mungkin potret diri yang dibuat oleh seorang wanita. Ini adalah benda yang paling terkenal dari banyak benda yang berasal dari Zaman Batu Tua.

Foto: Atas perkenan CC/Wiki Media/Philip Pikart

Potret ini telah menjadi simbol kecantikan feminin sejak pertama kali ditemukan pada tahun 1912 di dalam reruntuhan Amarna, ibu kota yang dibangun oleh Firaun paling kontroversial dalam sejarah Mesir Kuno: Akhenaten. Kehidupan ratunya, Nefertiti, merupakan suatu misteri: Diperkirakan bahwa ia memerintah sebagai Firaun untuk beberapa waktu setelah kematian Akhenaten—atau lebih tepatnya, sebagai wakil wali Raja Muda Tutankhamun. Beberapa Egyptologist percaya bahwa dia sebenarnya adalah ibu Tut. Patung batu kapur berlapis semen ini diperkirakan merupakan hasil karya Thutmose, pematung istana Akhenaten.

Foto: Atas perkenan CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Ditemukan pada tahun 1974, Tentara Terakota adalah kumpulan besar patung tanah liat yang terkubur di tiga lubang besar di dekat makam Shi Huang, Kaisar pertama Tiongkok, yang meninggal pada tahun 210 SM. Dimaksudkan untuk melindunginya di akhirat, Angkatan Darat diyakini berjumlah lebih dari 8.000 tentara bersama dengan 670 kuda dan 130 kereta. Masing-masing berukuran sebenarnya, meskipun tinggi sebenarnya bervariasi menurut pangkat militer.

Foto: Atas perkenan CC/Wiki Media/LivioAndronico

Mungkin patung paling terkenal dari zaman Romawi kuno,Laocoön dan Putra-Putranyaawalnya digali di Roma pada tahun 1506 dan dipindahkan ke Vatikan, di mana ia berada hingga hari ini. Hal ini didasarkan pada mitos seorang pendeta Troya yang dibunuh bersama putra-putranya oleh ular laut yang dikirim oleh dewa laut Poseidon sebagai pembalasan atas upaya Laocoön untuk mengungkap tipu muslihat Kuda Troya. Awalnya dipasang di istana Kaisar Titus, pengelompokan figuratif seukuran aslinya ini, yang dikaitkan dengan trio pematung Yunani dari Pulau Rhodes, tidak ada bandingannya dalam studi penderitaan manusia.

Foto: Atas perkenan CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Salah satu karya paling ikonik sepanjang sejarah seni, David karya Michelangelo berawal dari proyek yang lebih besar untuk menghiasi penopang katedral besar Florence, Duomo, dengan sekelompok tokoh yang diambil dari Perjanjian Lama. ItuDaudadalah salah satunya, dan sebenarnya dimulai pada tahun 1464 oleh Agostino di Duccio. Selama dua tahun berikutnya, Agostino berhasil mengerjakan secara kasar sebagian dari balok marmer besar yang dipahat dari tambang terkenal di Carrara sebelum berhenti pada tahun 1466. (Tidak ada yang tahu alasannya.) Seniman lain mengambil alih tugas tersebut, tetapi dia juga hanya mengerjakannya sebentar. Marmer tersebut tetap tidak tersentuh selama 25 tahun berikutnya, sampai Michelangelo kembali mengukirnya pada tahun 1501. Saat itu ia berusia 26 tahun. Setelah selesai, David memiliki berat enam ton, yang berarti tidak dapat diangkat ke atap katedral. Sebaliknya, itu dipajang di luar pintu masuk Palazzo Vecchio, balai kota Florence. Patung tersebut, salah satu hasil penyulingan paling murni dari gaya Renaisans Tinggi, langsung dianut oleh masyarakat Florentine sebagai simbol perlawanan negara kota tersebut terhadap kekuatan yang menentangnya. Pada tahun 1873,Dauddipindahkan ke Galeri Accademia, dan replikanya dipasang di lokasi aslinya.

Foto: Atas perkenan CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Diakui sebagai pencetus gaya High Roman Baroque, Gian Lorenzo Bernini menciptakan mahakarya ini untuk sebuah kapel di Gereja Santa Maria della Vittoria. Barok terkait erat dengan Kontra-Reformasi di mana Gereja Katolik mencoba membendung gelombang Protestantisme yang melanda Eropa pada abad ke-17. Karya seni seperti karya Bernini adalah bagian dari program untuk menegaskan kembali dogma Kepausan, yang disajikan dengan baik di sini oleh kejeniusan Bernini dalam menanamkan adegan keagamaan dengan narasi dramatis.EkstasiContoh kasusnya: Subjeknya—Santo Teresa dari Ávila, seorang biarawati dan mistikus Karmelit Spanyol yang menulis tentang pertemuannya dengan malaikat—digambarkan saat malaikat hendak menancapkan anak panah ke jantungnya.EkstasiNuansa erotisnya tidak salah lagi, paling jelas terlihat pada ekspresi orgasme sang biarawati dan kain menggeliat yang membungkus kedua sosok tersebut. Sebagai seorang arsitek sekaligus seniman, Bernini juga merancang suasana Kapel dengan marmer, plesteran, dan cat.

Foto: Atas izin Museum Seni Metropolitan/Fletcher Fund

Seniman Italia Antonio Canova (1757–1822) dianggap sebagai pematung terhebat abad ke-18. Karyanya melambangkan gaya Neo-Klasik, seperti yang Anda lihat dalam membawakan marmer pahlawan mitos Yunani Perseus. Canova sebenarnya membuat dua versi karya tersebut: Satu berada di Vatikan di Roma, sementara yang lainnya berdiri di Pengadilan Patung Eropa di Museum Seni Metropolitan.

Foto: Museum Seni Metropolitan

Meskipun master Impresionis Edgar Degas paling dikenal sebagai pelukis, ia juga bekerja di bidang patung, menghasilkan karya yang bisa dibilang paling radikal dalam karyanya. Degas kunoPenari Kecil Berusia Empat Belas Tahundari lilin (yang kemudian menjadi salinan perunggu setelah kematiannya pada tahun 1917), tetapi fakta bahwa Degas mendandani subjek eponimnya dengan kostum balet yang sebenarnya (lengkap dengan korset, tutu, dan sandal) dan wig dari rambut asli menimbulkan sensasi ketikaPenarimemulai debutnya di Pameran Impresionis Keenam tahun 1881 di Paris. Degas memilih untuk menutupi sebagian besar hiasannya dengan lilin agar sesuai dengan ciri-ciri gadis lainnya, tetapi dia tetap mempertahankan tutu, serta pita yang mengikat rambutnya, menjadikan sosok itu salah satu contoh pertama benda yang ditemukan. seni.Penariadalah satu-satunya patung yang dipamerkan Degas seumur hidupnya; setelah kematiannya, sekitar 156 unit lagi ditemukan mendekam di studionya.

Foto: Atas perkenan Museum Seni Philadelphia

Sementara kebanyakan orang mengasosiasikan pematung besar Perancis Auguste Rodin denganSang Pemikir, ansambel yang memperingati insiden selama Perang Seratus Tahun (1337–1453) antara Inggris dan Prancis lebih penting dalam sejarah seni pahat. Ditugaskan untuk sebuah taman di kota Calais (tempat pengepungan Inggris selama setahun pada tahun 1346 dicabut ketika enam tetua kota menawarkan diri untuk dieksekusi sebagai imbalan untuk menyelamatkan penduduk),Keluarga Burghmenghindari format khas monumen pada saat itu: Alih-alih menggunakan figur yang diisolasi atau ditumpuk dalam piramida di atas alas yang tinggi, Rodin mengumpulkan subjek seukuran aslinya langsung di tanah, sejajar dengan penonton. Pergerakan radikal menuju realisme ini mematahkan perlakuan heroik yang biasanya diberikan pada karya luar ruangan seperti itu. DenganKeluarga Burgh, Rodin mengambil salah satu langkah pertama menuju patung modern.

Foto: Atas perkenan CC/Flickr/Wally Gobetz

Pada tahun 1912, Picasso menciptakan sebuah maquette karton yang akan memberikan pengaruh besar pada seni abad ke-20. Juga dalam koleksi MoMA, ia menggambarkan sebuah gitar, subjek yang sering dieksplorasi Picasso dalam lukisan dan kolase, dan dalam banyak hal,Gitarmentransfer teknik potong dan tempel kolase dari dua dimensi menjadi tiga. Hal yang sama juga dilakukan pada Kubisme, dengan merakit bentuk datar untuk menciptakan bentuk multifaset dengan kedalaman dan volume. Inovasi Picasso adalah menghindari ukiran konvensional dan pemodelan patung dari suatu massa padat. Alih-alih,Gitardiikat menjadi satu seperti sebuah struktur. Ide ini akan bergema dari Konstruktivisme Rusia hingga Minimalisme dan seterusnya. Dua tahun setelah pembuatannyaGitardalam karton, Picasso membuat versi ini dari potongan timah

Foto: Museum Seni Metropolitan

Dari awal yang radikal hingga inkarnasi fasis terakhirnya, Futurisme Italia mengejutkan dunia, tetapi tidak ada satu karya pun yang menunjukkan delirium gerakan ini selain patung karya salah satu tokoh terkemuka: Umberto Boccioni. Bermula sebagai pelukis, Boccioni beralih bekerja dalam tiga dimensi setelah perjalanan tahun 1913 ke Paris di mana dia mengunjungi studio beberapa pemahat avant-garde pada masa itu, seperti Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon dan Alexander Archipenko. Boccioni menyatukan ide-idenya ke dalam mahakarya dinamis ini, yang menggambarkan sosok melangkah yang diatur dalam “kontinuitas sintetik” gerak seperti yang digambarkan Boccioni. Karya ini awalnya dibuat dari plester dan baru dibuat dalam versi perunggu pada tahun 1931, jauh setelah kematian sang seniman pada tahun 1916 sebagai anggota resimen artileri Italia selama Perang Dunia I.

Foto: Atas perkenan CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Lahir di Rumania, Brancusi adalah salah satu pematung terpenting modernisme awal abad ke-20—dan tentu saja, salah satu tokoh terpenting dalam seluruh sejarah seni pahat. Semacam proto-minimalis, Brancusi mengambil bentuk dari alam dan menyederhanakannya menjadi representasi abstrak. Gayanya dipengaruhi oleh kesenian rakyat tanah airnya, yang sering kali menampilkan pola geometris yang semarak dan motif bergaya. Dia juga tidak membedakan antara objek dan alas, memperlakukannya, dalam kasus tertentu, sebagai komponen yang dapat dipertukarkan—sebuah pendekatan yang mewakili pemutusan penting dengan tradisi seni pahat. Karya ikonik ini adalah potret model dan kekasihnya, Margit Pogány, seorang mahasiswa seni Hongaria yang ia temui di Paris pada tahun 1910. Iterasi pertama diukir pada marmer, diikuti dengan salinan plester yang menjadi bahan pembuatan perunggu tersebut. Plester itu sendiri dipamerkan di New York pada Armory Show yang legendaris tahun 1913, di mana para kritikus mengejek dan mempermalukannya. Tapi itu juga merupakan karya yang paling banyak direproduksi dalam pertunjukan itu. Brancusi mengerjakan berbagai versiNona Poganyselama sekitar 20 tahun.

Foto: Atas perkenan Museum Seni Modern

Roda Sepedadianggap sebagai produk siap pakai revolusioner Duchamp yang pertama. Namun, ketika dia menyelesaikan karya tersebut di studionya di Paris, dia benar-benar tidak tahu harus menyebutnya apa. “Saya mendapat ide gembira untuk memasang roda sepeda ke bangku dapur dan melihatnya berputar,” kata Duchamp kemudian. Butuh perjalanan ke New York pada tahun 1915, dan paparan terhadap produk-produk buatan pabrik yang sangat banyak di kota itu, hingga Duchamp dapat menemukan istilah yang sudah jadi. Lebih penting lagi, dia mulai melihat bahwa membuat karya seni dengan cara tradisional dan buatan tangan sepertinya tidak ada gunanya di Era Industri. Mengapa repot-repot, katanya, ketika barang-barang produksi yang tersedia secara luas dapat melakukan pekerjaan tersebut. Bagi Duchamp, ide di balik karya seni itu lebih penting daripada cara pembuatannya. Gagasan ini—yang mungkin merupakan contoh nyata pertama dari Seni Konseptual—akan mengubah sejarah seni rupa ke depan. Namun, mirip dengan benda rumah tangga biasa, aslinyaRoda Sepedatidak bertahan: Versi ini sebenarnya adalah replika yang berasal dari tahun 1951.

Foto: Museum Seni Amerika Whitney, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Perlengkapan favorit dari koleksi permanen Museum Whitney,Sirkus Caldermenyaring esensi lucu yang dibawakan Alexander Calder (1898–1976) sebagai seniman yang membantu membentuk patung ke-20.Sirkus, yang diciptakan pada masa sang seniman berada di Paris, tidak se-abstrak “ponsel” gantungnya, namun dengan caranya sendiri, ia sama kinetiknya: Dibuat terutama dari kawat dan kayu,Sirkusberfungsi sebagai pusat pertunjukan improvisasi, di mana Calder bergerak di sekitar berbagai tokoh yang menggambarkan manusia karet, penelan pedang, penjinak singa, dll., seperti pemimpin sirkus yang seperti dewa.

Foto: Atas izin Museum J. Paul Getty

Sebagai pelukis dan perancang permadani serta pematung, seniman Prancis Aristide Maillol (1861–1944) dapat digambarkan sebagai seorang Neo-Klasik modern yang memberikan sentuhan sederhana abad ke-20 pada patung tradisional Yunani-Romawi. Ia juga dapat digambarkan sebagai seorang konservatif radikal, meskipun harus diingat bahwa bahkan seniman avant-garde sezaman seperti Picasso menghasilkan karya dalam adaptasi gaya Neo-Klasik setelah Perang Dunia I. Subjek Maillol adalah perempuan telanjang, dan dalamSarang, ia menciptakan kontras antara massa material subjeknya, dan tampilan subjeknya yang melayang di angkasa—seolah-olah menyeimbangkan fisik yang keras dengan kehadiran yang cepat berlalu.

Foto: Atas perkenan CC/Flickr/C-Monster

Seorang seniman Jepang yang bekerja dalam berbagai media, Kusama datang ke New York pada tahun 1957 dan kembali ke Jepang pada tahun 1972. Untuk sementara, ia memantapkan dirinya sebagai tokoh utama di pusat kota, yang karya seninya menyentuh banyak basis, termasuk Seni Pop, Minimalisme. dan Seni Pertunjukan. Sebagai seniman perempuan yang kerap menyebut seksualitas perempuan, ia juga merupakan cikal bakal Seni Feminis. Karya Kusama sering kali dicirikan oleh pola halusinogen dan pengulangan bentuk, kecenderungan yang berakar pada kondisi psikologis tertentu—halusinasi, OCD—yang dideritanya sejak kecil. Semua aspek seni dan kehidupan Kusuma tercermin dalam karya ini, di mana sebuah kursi santai berlapis kain biasa ditutupi oleh tonjolan-tonjolan phallic yang terbuat dari kain boneka yang dijahit.

Foto: Museum Seni Amerika Whitney, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Galeri Seni Albright-Knox/Artists Rights Society (ARS), New York

Dikenal hanya dengan nama depannya, Marisol Escobar (1930–2016) lahir di Paris dari orang tua Venezuela. Sebagai seorang seniman, ia dikaitkan dengan Pop Art dan kemudian Op Art, meskipun secara gaya, ia tidak termasuk dalam kelompok mana pun. Sebaliknya, ia menciptakan tablo figuratif yang dimaksudkan sebagai sindiran feminis tentang peran gender, selebriti, dan kekayaan. Di dalamWanita dan Anjingia melakukan objektifikasi terhadap perempuan, dan cara standar feminitas yang ditetapkan laki-laki digunakan untuk memaksa mereka menyesuaikan diri.

Foto: Atas perkenan CC/Flickr/Rocor

Brillo Box mungkin adalah karya pahatan paling terkenal yang diciptakan Warhol pada pertengahan tahun 60an, yang secara efektif membawa penyelidikannya terhadap budaya pop ke dalam tiga dimensi. Sesuai dengan nama yang diberikan Warhol pada studionya—Pabrik—sang seniman menyewa tukang kayu untuk mengerjakan semacam jalur perakitan, menyatukan kotak-kotak kayu dalam bentuk karton untuk berbagai produk, termasuk Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes, dan Campbell's Soup, serta baik bantalan sabun Brillo. Dia kemudian mengecat setiap kotak dengan warna yang sesuai dengan aslinya (putih untuk Brillo) sebelum menambahkan nama produk dan logo di silkscreen. Dibuat dalam jumlah banyak, kotak-kotak itu sering kali ditampilkan dalam tumpukan besar, yang secara efektif mengubah galeri mana pun tempat mereka berada menjadi faksimili gudang yang berbudaya tinggi. Bentuk dan produksi serialnya mungkin merupakan anggukan—atau parodi—gaya Minimalis yang saat itu sedang berkembang. Tapi inti sebenarnya dariKotak Brilloadalah bagaimana pendekatannya yang dekat dengan aslinya merongrong konvensi artistik, dengan menyiratkan bahwa tidak ada perbedaan nyata antara barang-barang manufaktur dan karya dari studio seniman.

Foto: Atas perkenan CC/Flickr/Esther Westerveld

Nama Donald Judd identik dengan Minimal Art, gerakan pertengahan tahun 60an yang menyaring aliran rasionalis modernisme menjadi hal-hal yang esensial. Bagi Judd, patung berarti mengartikulasikan kehadiran konkrit karya tersebut di ruang. Ide ini dideskripsikan dengan istilah “objek spesifik”, dan meskipun para penganut paham Minimalis lainnya menganutnya, Judd bisa dibilang memberikan ide tersebut ekspresi paling murni dengan mengadopsi kotak sebagai bentuk khasnya. Seperti Warhol, ia memproduksinya sebagai unit yang berulang, menggunakan bahan dan metode yang dipinjam dari fabrikasi industri. Tidak seperti kaleng sup dan Marilyn karya Warhol, karya seni Judd tidak mengacu pada apa pun di luar dirinya. “Tumpukan” miliknya adalah salah satu karyanya yang paling terkenal. Masing-masing terdiri dari sekelompok kotak dangkal identik yang terbuat dari lembaran logam galvanis, menonjol dari dinding untuk membuat kolom elemen dengan jarak yang sama. Namun Judd, yang memulai karirnya sebagai pelukis, juga tertarik pada warna dan tekstur seperti halnya pada bentuk, seperti yang terlihat di sini dengan pernis bodi mobil berwarna hijau yang diaplikasikan pada bagian depan setiap kotak. Interaksi warna dan bahan Judd memberiTanpa Judul (Tumpukan)keanggunan yang teliti yang melunakkan absolutisme abstraknya.

Foto: Atas perkenan CC/Flickr/Rocor

Seperti Benglis, Hesse adalah seniman perempuan yang menyaring Postminimalisme melalui prisma feminis. Seorang Yahudi yang melarikan diri dari Nazi Jerman saat masih kecil, ia menjelajahi bentuk-bentuk organik, menciptakan potongan-potongan dari fiberglass industri, lateks dan tali yang menyerupai kulit atau daging, alat kelamin dan bagian tubuh lainnya. Mengingat latar belakangnya, sangat menggoda untuk menemukan trauma atau kecemasan yang tersembunyi dalam karya seperti ini.

Foto: Atas perkenan Museum Seni Modern

Mengikuti Judd dan Flavin, sekelompok seniman berangkat dari estetika garis bersih Minimalisme. Sebagai bagian dari generasi Postminimalis ini, Richard Serra menerapkan konsep objek spesifik pada steroid, memperbesar skala dan beratnya, dan menjadikan hukum gravitasi sebagai bagian integral dari gagasan tersebut. Dia menciptakan tindakan penyeimbangan yang berbahaya dari pelat dan pipa baja atau timah berbobot berton-ton, yang berdampak memberikan kesan ancaman pada pekerjaan. (Dalam dua kesempatan, pekerja yang memasang potongan Serra mati atau menjadi cacat ketika pekerjaan tersebut runtuh secara tidak sengaja.) Dalam beberapa dekade terakhir, karya Serra telah mengadopsi penyempurnaan lengkung yang membuatnya sangat populer, namun pada awalnya, karya tersebut berfungsi seperti One Ton Prop (Rumah of Cards), yang menampilkan empat pelat timah yang disandarkan, menyampaikan kekhawatirannya dengan keterusterangan yang brutal.

Foto: Atas perkenan CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Mengikuti tren tandingan budaya pada tahun 1960-an dan 1970-an, para seniman mulai memberontak melawan komersialisme dunia galeri, mengembangkan bentuk seni baru yang radikal seperti pekerjaan tanah. Juga dikenal sebagai seni tanah, tokoh utama genre ini adalah Robert Smithson (1938–1973), yang, bersama seniman seperti Michael Heizer, Walter De Maria, dan James Turrel, berkelana ke gurun Amerika Serikat Bagian Barat untuk menciptakan karya-karya monumental yang bertindak selaras dengan lingkungannya. Pendekatan spesifik lokasi ini, demikian sebutannya, sering kali menggunakan material yang diambil langsung dari lanskap. Hal serupa juga terjadi pada SmithsonDermaga Spiral, yang menjorok ke Great Salt Lake di Utah dari Rozel Point di pantai timur laut danau. Terbuat dari lumpur, kristal garam, dan basal yang diekstraksi di lokasi,Langkah-langkah Dermaga Spiral1.500 kali 15 kaki. Ia tenggelam di bawah danau selama beberapa dekade hingga kekeringan di awal tahun 2000-an membawanya ke permukaan lagi. Pada tahun 2017,Dermaga Spiraldinobatkan sebagai karya seni resmi Utah.

Foto: Atas perkenan CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Karya khas seniman kelahiran Perancis,Laba-labadiciptakan pada pertengahan 1990-an ketika Bourgeois (1911-2010) sudah berusia delapan puluhan. Ia ada dalam berbagai versi dengan skala yang berbeda-beda, termasuk beberapa yang bersifat monumental.Laba-labadimaksudkan sebagai penghormatan kepada ibu seniman, seorang pemulih permadani (karena itu merupakan singgungan pada kecenderungan arakhnida untuk memintal jaring).

stok foto

Pemenang Turner Prize yang bergengsi pada tahun 1994, Antony Gormley adalah salah satu pematung kontemporer paling terkenal di Inggris, namun ia juga dikenal di seluruh dunia karena keunikannya dalam seni figuratif, yang menjadi dasar variasi skala dan gaya yang luas. sebagian besarnya menggunakan pola yang sama: Pemeran tubuh artis itu sendiri. Hal serupa juga terjadi pada monumen bersayap raksasa yang terletak di dekat kota Gateshead di timur laut Inggris. Terletak di sepanjang jalan raya utama,Malaikattingginya mencapai 66 kaki dan lebarnya 177 kaki dari ujung sayap ke ujung sayap. Menurut Gormley, karya tersebut dimaksudkan sebagai semacam penanda simbolis antara masa lalu industri Inggris (patung tersebut terletak di negara batu bara Inggris, jantung Revolusi Industri) dan masa depan pasca-industri.

Atas perkenan CC/Flickr/Richard Howe

Dijuluki “The Bean” oleh warga Chicago karena bentuk ellipsoidalnya yang bengkok,Gerbang Awan, pusat seni publik Anish Kapoor untuk Taman Milenium Kota Kedua, merupakan karya seni dan arsitektur, menyediakan lengkungan yang siap untuk Instagram bagi pejalan kaki di hari Minggu dan pengunjung taman lainnya. Dibuat dari baja cermin,Gerbang AwanReflektivitas rumah menyenangkan dan skala besar menjadikannya karya Kapoor yang paling terkenal.

Atas izin artis dan Greene Naftali, New York

Karya Rachel Harrison menggabungkan formalisme yang sempurna dengan kemampuan untuk memasukkan elemen-elemen yang tampaknya abstrak dengan berbagai makna, termasuk makna politik. Dia dengan keras mempertanyakan monumentalitas dan hak prerogatif maskulin yang menyertainya. Harrison membuat sebagian besar pahatannya dengan menumpuk dan menyusun balok atau lempengan styrofoam, sebelum menutupinya dengan kombinasi semen dan hiasan lukisan. Ceri di atas adalah sejenis benda yang ditemukan, baik sendiri maupun digabungkan dengan benda lain. Contoh utama adalah manekin di atas bentuk memanjang dan terciprat cat. Mengenakan jubah, dan topeng Abraham Lincoln yang menghadap ke belakang, karya ini menyampaikan teori sejarah manusia hebat dengan kebangkitannya akan sang penakluk Dunia Kuno yang berdiri tegak di atas batu berwarna badut..